Sein neuster Film, Children Who Chase Stars oder Children Who Chase Lost Voices from Deep Below, wie der unglückliche offizielle Titel lautet, markiert eine Weiterentwicklung der Formel von Shinkais früheren Werken. Nach eigener Aussage hat Shinkai dabei zum ersten Mal richtig als Regisseur gearbeitet und verstanden, was Regisseur sein wirklich bedeutet.

Zuerst fallen bei Shinkai vor allem die detaillierten übersättigten Hintergründe auf, die vor allem durch aufwendige Lichteffekte sehr realistisch wirken. Kontrastiert werden die Hintergründe durch ein einfaches Design der Charaktere, das zu Beginn vielleicht einer Notwendigkeit folgte (Shinkai animierte alles selber), für seinen Stil aber prägend wurde. Inhaltlich befassen sich seine  Werke mehr mit Stimmungen und Gefühlen und haben nur einen dünnen oder mysteriösen Plot. Voices of a Distant Star handelt zum Beispiel von einem jungen Liebespaar, das durch eine unüberwindbare und immer grössere Distanz getrennt ist. Der Film fokussiert ganz auf die melancholische Hilflosigkeit seiner Protagonisten und das Sci-Fi Setting gibt nur den Rahmen, ohne gross relevant zu sein. Mehr oder weniger unüberwindbare Distanzen zu Geliebten sind auch zentrale Themen in seinen ersten Langfilmen, sei es das Koma einer Person in The Place Promised in Our Early Days oder ein Wintersturm in 5 Centimeters Per Second.

Bei Children Who Chase Stars ist die grösste Entwicklung im Vergleich zu seinen früheren Werken eine eigentliche Handlung als zentrales Element des Filmes. Die Distanz ist immer noch das grundlegende Thema, diesmal in der Form von Verstorbenen. Dabei hat sich der Fokus aber auf die Handlung verschoben und die Welt um die Protagonisten tritt viel schärfer in den Vordergrund als bei seinen früheren Filmen, wo sie in der Regel nur angedeutet wurde und schemenhaft blieb.

Zum ersten Mal verwendet Shinkai ein Fantasy-Setting, verknüpft dieses aber wie zuvor seine Sci-Fi Settings mit viel alltäglicher Profanität. Die Fantasy-Welt ist klar von Ghibli inspiriert, der Vorwurf, Shinkai habe einen Ghibli-Abklatsch gemacht, greift aber zu kurz. Children Who Chase Stars ist mehr in klassischer Fantasy und Shinkais eigenem Stil verwurzelt, als dass er sich auf die Ghibli-Referenzen reduzieren lassen würde. Vielmehr fällt mit der Fantasy-Ästhetik die Nähe, welche Shinkai immer schon zu Ghibli gehabt hat, viel deutlicher auf.

Für mich liegt das Problem bei Children Who Chase Stars auch an einem anderen Ort, und zwar am gleichen wie schon bei Shinkais früheren Langfilmen: Die schwerfällige Dramaturgie und skizzenhafte Handlung haben bei Voices of a Distant Star wegen seiner starken Reduktion und Abstraktion funktioniert. Indem Shinkai aber versucht, diese einfache Formel zu erweitern, kommen seine Schwächen beim Erzählen und Charakterisieren deutlich zum Vorschein. Shinkai versucht grosse Themen zu behandeln, seine Stärke liegt jedoch in den Stimmungsbildern und Momenten, die mehr andeuten als konkret zeigen. Das steht im Wiederspruch zu seinen Bemühungen, den Filmen eine klassischere Handlung zu geben. Womit ich aber nicht sagen will, dass Shinkai sich nicht darauf konzentrieren sollte. Zwar sehe ich dort seine grosse Schwäche, hoffe aber, dass er diese meistern und mit seinen bestehenden Talenten verbinden kann. Seine drei Langfilme zeigen klar eine Entwicklung und ich bin gespannt, was Shinkai uns weiter bieten wird.

Die Handlung und Charaktere in Children Who Chase Stars sind dünn, aufgebläht durch Esoterik und einfach vorhersehbar. Geblieben sind eindrückliche Hintergründe, eine schöne und einfallsreiche Welt und einige stimmige Szenen. Der Film ist Unterhaltsam und empfehlenswert, es fehlt ihm aber die Prägnanz von Voices of a Distant Star.

P.S: Der Vergleich mit Ghibli finde ich eher interessant, um die Unterschiede auszuloten und damit etwas mehr über die beiden Stile zu lernen. Hier ein paar Eindrücke:

• Die Animation in den Ghibli-Filmen gibt seinen Figuren etwas sehr plastisches, was sicher mit der Qualität der Animation zusammen hängt, aber auch mit dem schlichten Charakter-Design und erstklassigen Layouts. Shinkais Charaktere wirken dabei flach und damit mehr wie reguläre Charaktere in Animes.
• Die Hintergründe von Shinkai und Ghibli haben einen vergleichbaren Grad an Realismus und einen ähnlichen Stil. Shinkai versteht sich aber besser auf den Einsatz von Licht, verschiedenste Spiegelungen und vor allem die Emulation von Kamera-Effekten wie Lens-Flares oder Überbelichtung. Dazu verwendet er eine deutlich kräftigere Farbpalette in seinen Hintergründen.
• Während Ghibli-Filme fantastische und religiöse Themen behandeln, werden diese nie verabsolutiert. Auch wenn Götter erscheinen, handelt es sich nicht um allmächtige, und grundlegende Themen wie Jenseits und Wiedergeburt werden nicht angeschnitten. In Children Who Chase Stars geht es aber gerade um das Jenseits und die damit verbundene Religion wird so zur absoluten und wahren Religion stilisiert. Die Ghibli-Filme bieten immer nur einen beschränkten Einblick in eine Welt, wobei klar ist, dass die Welt mehr umfasst als was gezeigt wird. Children Who Chase Stars dagegen zeigt Orte und Objekte, die eine einzigartige und absolute Rolle in der Welt einnehmen und damit diktieren, dass die Welt in ihrem Bezug überall gleich ist.

Neben dem stetig wachsenden Computerspiel-Schwerpunkt mit Ausstellungen und spannenden Präsentationen, den das Fantoche nun schon zum dritten Mal veranstaltet, freue ich mich immer auf die Langfilme, von denen in der Regel nur wenige bei uns regulär im Kino anlaufen. Dieses Jahr war für mich keiner darunter, den ich schon im Voraus sehnlichst erwartet hätte. Doch drei der Filme, die ich mit etwas zwiespältiger Vorfreude schauen gegangen bin, haben mich positiv überrascht.

Nachfolgend kurze Kritiken zu den vier Langspielfilmen, die ich am Fantoche zum ersten Mal gesehen habe: The Great Bear, Tatsumi, Le Chat du Rabbin und Une Vie de Chat.

The Great Bear

Regie: Esben Toft Jacobsen, Produktionsland: Dänemark. IMDB

Der dänische Kinderfilm überzeugt vor allem durch die Reduktion: Die Story wird gekonnt mit nur vier Charakteren und wenigen Elementen erzählt und das 3D-Rendering ist nicht von der besten Qualität, bringt aber verblüffend schöne Naturbilder zustande. Die Animation ist auch einfach aber sauber und effektiv, gerade der grosse Bär überzeugt in dieser Hinsicht klar.

Jonathan und seine kleine Schwester Sophie haben einen Streit, worauf sich Sophie in den grossen Wald wagt und dort auf den grossen Bär trifft, der sie aufnimmt und beschützt. Jonathan folgt seiner Schwester auf der Suche nach ihr und trifft dabei auf einen Jäger, der schon lange dem grossen Bären auf der Schliche ist und sich an ihm für die Zerstörung seines Dorfes rächen möchte.

Der Film versucht auch eine Öko-Botschaft zu vermitteln, die zum Glück nicht aufdringlich ist und sich mehr im Hintergrund hält. Sie reduziert sich dann aber auch auf die etwas platte Aussage, dass der Mensch mit der Natur zusammen leben soll und verkitscht dabei die Natur zu etwas grundlegend Gutem, das keinem Mensch ein Haar krümmen würde, wenn wir nur nett zu ihr wären.

Tatsumi

Regie: Eric Khoo, Produktionsland: Singapur. IMDB

Film über den Manga-Zeichner Yoshihiro Tatsumi, der 1957 die Gekiga-Bewegung gestartet hat. Diese hat die damals noch als reine Kinder-Literatur angesehnen Mangas auch als Erwachsenen-Literatur etabliert und damit auch den “Manga-Gott” Osamu Tezuka zum Zeichnen von Mangas für eine ältere Zielgruppe veranlasst. Der Film ist eine Mischung aus der Biografie von Tatsumi (welche er selber als Manga veröffentlicht hat) und fünf seiner Kurzgeschichten.

Neben den grossartigen Kurzgeschichten verblasst Tatsumis eigene Biografie und am Anfang ist es schwierig, die Übergänge zwischen seiner Biografie und den einzelnen Geschichten zu erkennen. Dafür glänzt der Film aber mit der grafischen Adaption von Tatsumis Zeichnungsstil, der wunderbar animiert ist und äusserst frisch wirkt. Dazu kommt der gelungene Soundtrack, komponiert vom 13-Jährigen Sohn des Regisseurs.

Le Chat du Rabbin

Regie: Antoine Delesvaux und Joann Sfar, Produktionsland: Frankreich und Österreich. IMDB

Basierend auf der gleichnamigen Comic-Serie von Joann Sfar, adaptiert vom Autor selber. Nahe am wunderbar eigensinnigen Zeichenstil des Comics gehalten überzeugt der Film auf grafischer Ebene wie auch durch seinen trockenen Humor, der sich mit den vielen Wiedersprüchen der Religionen befasst.

Anfangs des 20. Jahrhunderts in Algier lebt ein Rabbiner mit seiner Tochter und ihrer Katze. Nachdem diese einen Papagei verspeisen hat, beginnt sie plötzlich zu sprechen und möchte, nachdem sie der Rabbiner in das Judentum eingeführt hat, auch seine Bar Mitzwa absolvieren. Im folgenden stellt die Katze zwar nicht die Religion an sich in Frage, entblösst aber viele Wiedersprüche im Glauben der einzelnen Charaktere.

Der sehr episodenhaft erzählte Film fällt dramaturgisch etwas auseinander. Es wird nicht klar wohin der Plot eigentlich will, bis im zweiten Teil des Films eine Reise etwas Struktur bringt. Die einzelnen Episoden sind aber mehr als Unterhaltend genug, um über diese Schwäche hinwegzusehen. Nur schon die Katze mit der Stimme von François Morel macht den Film sehenswert.

Une Vie de Chat

Regie: Jean-Loup Felicioli und Alain Gagnol, Produktionsland: Frankreich, Niederlande, Schweiz und Belgien. IMDB

Die Überraschung des diesjährigen Fantoche: Überaus witziger und einfallsreicher Kinderfilm mit interessantem Zeichnungsstil und sympathischen Charakteren. Auch wenn der Film verschiedene ernste Themen anschneidet, verfällt er nie dem Pathos und bietet viel clevere Action im Stil von klassischen Gauner-Komödien. Nichts am Film speziell originell oder überraschend, die gelungene Umsetzung macht aus dem Stoff aber gute Unterhaltung.

Zoés Vater wurde von dem berüchtigten Gangster Victor Costa ermordet und seither setzt ihre Mutter und Kommissarin Jeanne alles daran, den Mörder zu fassen. Dabei vernachlässigt sie zunehmend ihre Familie und damit bleibt Zoé nur noch ihre Tagesmutter Claudine und ihre Katze. Diese Führt aber ein Doppelleben und begleitet in der Nacht den Dieb Nico auf seinen Raubzügen. Als Zoe eines Abends ihre Katze aus Neugier verfolgt, wird sie in den Fall ihrer Mutter hineingezogen.

Darunter waren praktisch keine Fehltritte, einige lauwarme aber unterhaltende Filme und eine ganze Menge grossartiger Entdeckungen. Über Nagisa Oshima und Nobuhiro Yamashita habe ich an dieser Stelle schon geschrieben, hier geht es aber um die 20 grössten Highlights, welche ich in den letzten beiden Jahren gesehen habe. Die Auswahl ist natürlich höchst selektiv und spannt sich über mehr als 50 Jahre. Bei Gelegenheit werde ich vielleicht über die einzelnen Filme noch ausführlicher Berichten.

Die Filme sind chronologisch geordnet. Alle Filme sind entweder irgendwo mit englischen Untertiteln auf DVD erschienen oder wurden von Fans im Internet übersetzt.

Zuerst wurde Yoshifumi Kondo, ein Animator beim Studio Ghibli und langjähriger Weggenosse von Miyazaki, mit Whisper of the Heart 1995 als dritter Regisseur neben Miyazaki und Takahata aufgestellt, verstarb dann aber 1998 angeblich an Überarbeitung. Miyazaki kündete darauf seinen Rücktritt an, führte aber schon 2001 bei Spirited Away wieder Regie.

Als nächstes war Hiroyuki Morita dran – ebenfalls ein Animator bei Ghibli. Er übernahm 2002 The Cat Returns, ursprünglich ein 20-minütiges Projekt für ein Vergnügungspark, nach dem Abbruch des Projektes dann ein 45-minütiges internes Kurzfilmprojekt und schliesslich ein 75-minütiger Spielfilm. Der Film wirkte dann auch entsprechend aufgeblasen und konnte nur bedingt als Ghibli-Produktion überzeugen.

Beim nächsten Projekt versuchte es Miyazaki dann 2004 mit Mamoru Hosoda bei Howl’s Moving Castle, für einmal kein bestehender Ghibli-Mitarbeiter. Hosoda verliess das Projekt aber abrupt und Miyazaki sprang für ihn ein. Wahrscheinlich verstritten sich Hosoda und Miyazaki wegen stilistischen Differenzen – mit A Girl Who Leapt Through Time und Summer Wars hat Hosoda seither zumindest mit zwei Highlights der letzten Jahre sein Können gezeigt.

Als nächstes versuchte es dann 2006 der Sohn von Miyazaki, Goro, mit Tales from Earthsea. Angeblich haben Hayao und Goro während er Produktion kein Wort gewechselt, da Hayao der Ansicht war, sein Sohn sei noch nicht für die Regie bereit. Der Film erhielt die schlechtesten Bewertungen aller Ghibli-Filme aber zumindest scheint es mit Goro damit nicht vorbei zu sein, arbeitet er doch schon an seinem nächsten Ghibli-Projekt.

Ab diesem Punkt scheint Miyazakis Rücktritt mittelfristig vom Tisch zu sein und mit Ponyo führte er 2008 auch wieder bei einer starken Produktion Regie.

Die Suche nach einer Nachfolge ist damit aber nicht vorbei und 2010 durfte dann Hiromasa Yonebayashi bei The Borrower Arrietty Regie führen. Mit Hirosama ist Ghibli wieder beim Versuch, aus ihren Animatoren die zukünftigen Regisseure zu machen. Zwar hat Miyazaki das Drehbuch geliefert, doch ist Arrietty das bisher überzeugendste Produkt von Ghiblis Suche nach der nächsten Generation von Regisseuren.

Für Goros nächstes Projekt, eine Adaption eines Shoujo-Manga von 1980, scheinen sich Vater und Sohn wieder versöhnt zu haben, schreibt Hayao immerhin am Drehbuch mit.

Dazu redet der Produzent vom Studio Ghibli, Toshio Suzuki, im Moment von einem Fünf-Jahres-Plan, bei dem die ersten drei Jahre jungen aufstrebenden Regisseuren gewidmet sind, die weiteren beiden Jahre aber der Produktion von Epen. Miyazaki soll schon an seinem nächsten Werk arbeiten – nach Suzuki das beste seiner Karriere – und Isao Takahata, nach einer mehr als zehnjährigen Absenz, soll auch wieder an einem neuen Projekt arbeiten.

In dieser Zeit hat Japan vor allem in China systematisch Kriegsverbrechen begannen, Millionen von unschuldigen Zivilisten ausgebeutet und getötet sowie verschiedene medizinische-, chemische und biologische Experimente an ihnen durchgeführt.

Der Dokumentarfilme sammelt die Aussagen von 14 Veteranen, die alle von einem Krieg berichten, der seinen Gegner jegliche Menschenrechte und -Würde abspricht und alles umbringt -egal ob Mann oder Frau, alt oder jung, Bauer oder Soldat.

Gegen Ende des 20. Jahrhunderts kämpften die westlichen Imperialmächte um Einfluss in Ostasien. Zu dieser Zeit erzwang Matthew C. Perry die Öffnung Japans, das Shogunat wurde gestürzt und der wieder eingesetzte Meiji-Kaiser leitete eine rasante Modernisierung ein. Japan mischte sich darauf in den Imperialismus ein und träumte von einem grossen japanischen Reich, das ganz Ostasien umfassen sollte. 1910 annexierte Japan Korea, nam am ersten Weltkrieg in China teil und installierte 1931 nach einer Invasion einen Puppenstaat in der Mandschurei.

Die Interviews in Japanese Devils befassen sich aber mit der Zeit zwischen 1937 bis 1947 und dem zweiten Sino-Japanischen Krieg und dem Zweiten Weltkrieg, während der Japan zwischen 3 bis über 10 Millionen Chinesen, Indonesen, Koreaner, Philippinos und Indochinesen tötete. Die Aggressionen richteten sich dabei vor allem gegen die Chinesen und deren kommunistischen Wiederstand. Während von Japans Kriegsgefangenen durchschnittlich knapp 30% starben, kamen von den chinesischen Gefangenen lediglich 56 bei Japans Kapitulation frei. Von 1942 bis 1947 galt dazu die Sanko Sakusen (die Drei-Alles-Strategie: Alles Töten, Alles Verbrennen, Alles Plündern), mit der etliche chinesische Dörfer komplett ausgelöscht wurden. Das bekannteste Massaker ist das nach der Besetzung der Stadt Nanking, bei dem innerhalb von sechs Wochen mindestens 200’000 Zivilisten ermordet und 20’000 Frauen vergewaltigt wurden.

Dazu kamen Experimente in der biologischen Kriegsführung mit Cholera, Anthrax oder der Pest, die an lebenden Gefangenen ausprobiert und dann grossflächig eingesetzt wurden. Auch Folter von unschuldigen, Vergewaltigung und Nötigung zur Prostitution, wahllose Tötung von Zivilsten oder die Tötung von Gefangenen für medizinische Ausbildung und Forschung oder schlicht zur Ausbildung neuer Soldaten gehörten zur Tagesordnung.

Die 14 Veteranen, die in Japanese Devils interviewt werden, stammen aus den unterschiedlichsten Schichten und besetzten die unterschiedlichsten Ränge im Militär. Was sie erzählen ist aber immer ähnlich: Demütigung, sozialer Zwang, der erste Mord, wie sich nach dem 20. Mord eine Routine einstellt und sie das Töten zu geniessen beginnen. Dazu etliche Anekdoten bei denen sie Kinder, Frauen, Alte und hilflose Leute umgebracht haben – teilweise einfach erschossen, teilweise zuerst vergewaltigt, als Arbeitskraft ausgebeutet, gefoltert und dann ermordet. Gegen ende des Krieges, als die Versorgungslinien unter Chinesisch-Amerikanischen Druck abbrachen, gibt es auch Berichte von Kannibalismus und auch einer der Veteranen aus den Interviews gesteht, eine junge Frau seiner Truppe als Schweinefleisch zum Essen geben zu haben.

Diese Berichte sind schockierend und grausam, was bei den Interviews aber noch mehr unter die Haut geht ist die nahe Distanz zu den Interviewten. Sie sind schon lange wieder in die Gesellschaft integriert, haben geheiratet, Kinder und Enkelkinder bekommen. Sie waren normale Leute, bevor sie in den Krieg gezogen sind, und sind seither wieder zu normalen Leuten geworden. Für alle war die erste Tötung ein Schock, doch bald wurden sie vom ständigen Töten abgestumpft und rechtfertigten sich mit dem göttlichen Befehl vom Kaiser oder indem sie den Chinesen ihre Menschlichkeit absprachen.

Eindrücklich ist die Ehrlichkeit, mit der sie ihre Taten schildern und mit der sie zur Abscheulichkeit dieser stehen. Sie leiden unter den Erinnerungen, haben auch deshalb wahrscheinlich zu den Interviews zugesagt, erzählen aber oft mit Heiterkeit von den Kriegsverbrechen, womöglich weil sie nur so diese überhaupt erzählen können.

Die Ehrlichkeit zeigt aber auch das spezielle Kilma in Japan bezüglich dieser Kriegsverbrechen. Noch immer tut sich Japan schwer mit einer klaren und deutlichen Entschuldigung und die Interviewten hätten problemlos schweigen und ihre Erinnerungen ins Grab mitnehmen können. Am ehesten werden sie dann auch von den Nationalisten als Landesverräter beschimpft, wobei ihre Aussagen in ihrem Umfeld aber sicher viel auslösen können und dafür viel Mut benötigten.

Auch wenn Japan in den letzten Jahren viele Fortschritte in der Aufarbeitung ihrer Kriegsverbrechen gemacht hat, bleibt das ein sensibles Thema, das die Beziehungen zwischen Japan und China sowie Korea schwer belastet. Aktuelle Kontroversen sind zum Beispiel die Trostfrauen, welche in japanischen Bordellen zwangsprostituiert wurden und deren Unfreiwilligkeit 2007 von damaligen Permier Shinzo Abe abgestritten wurde. Oder die noch immer  offenen Fragen bezüglich der Beteiligung des Kaisers Hirohito, welcher nach der Verfassung und wahrscheinlich auch in der Realität die volle Kontrolle über die Armee hatte, in der Nachkriegszeit aber als machtlose Puppe umgedeutet wurde und nie Rechenschaft ablegen musste.

Japanese Devils ist wegen der Nähe zu den interviewten Veteranen, der Abscheulichkeit ihrer Taten, dem Verzicht auf jegliche dramaturgische Unterstützung der Interviews und der fast drei Stunden Dauer ein Dokumentarfilm der unter die Haut geht. Die Veteranen brachen ihr schweigen, um die Wiederholung eines solchen Krieges zu verhindern. Indem sie eindrücklich zeigen, wie normale Leute zu Kriegsverbrechen werdern können, ist Japanese Devils ein bedrückendes Argument gegen jeglichen Krieg.

Eine gute Übersicht über das ganze Thema findet man auf Wikipedia: Englisch / Deutsch.

Dabei etabliert Hosoda mit Summer Wars ein starkes Team aus ihm, Yoshiyuki Sadamoto für das Charakterdesign und Satoko Okudera für das Drehbuch, die auch das Drehbuch für den wunderbaren Realfilm Talk, Talk, Talk geschrieben hat und anscheinend auch an Hosodas nächstem Projekt beteiligt sein wird.

Summer Wars spielt in einer nahen Zukunft, in der immer mehr über eine virtuelle Online-Welt namens Oz abgewickelt wird. Viele Firmen und Behörden haben dort Büros eröffnet und ihre Netzwerke damit verbunden. Kenji ist Mitglied des Computer Clubs seiner Schule und während er über die Sommerferien als Systemadministrator einen Nebenjob in Oz verfolgt, taucht plötzlich sein heimlicher Schwarm Natsuki auf und sucht jemanden, der sie gegen Bezahlung zum Geburtstag ihrer Grossmutter begleitet. Kenji nimmt das Angebot freudig an, bekommt aber Zweifel als sich Natsukis Familie als altes Samurai Geschlecht herausstellt und er sich als Natsukis Freund, Todai-Absolvent und Sohn aus einer prestigeträchtigen Familie ausgeben muss. Dazu richtet auch plötzlich ein Virus on Oz beträchtlichen Schaden an und Kenji wird verdächtigt, diesen freigesetzt zu haben.

Kenji meldet sich für Natsukis Angebot.

Das ist nur eine knappe Einleitung des Filmes und deutet nur an, was im Summer Wars plotmässig so alles abgeht. Da gibt es eine grosse Geburtstagsfeier, einen Cyberkampf mit einem beträchtlichen Chaos, das dieser in der Realität anrichtet, ein Familiendrama, eine Liebesgeschichte, eine Gedenkfeier und auch noch ein Baseballtournier. Dazu gibt es eine Unmenge von Charakteren und verschiedene Plotebenen für die Kinder, Frauen, Männer, Jungen und Alten die im Film vorkommen.

Natsuki stellt Kenji alle anwesenden vor.

Kurz, eine ziemliche Übersodosis an Plots serviert da Hosoda und beim ersten Schauen des Filmes kann das schnell etwas überfordern. Die Geschichte spielt zwar Hauptsächlich im Familienanwesen der Shinohara und in Oz, es passiert aber so viel gleichzeitig, dass man nicht alles aufs Mal aufnehmen kann. Das ist aber durchaus das Konzept des Filmes und passt zum Chaos der Vorbereitung für eine grosse Feier in einer Grossfamilie. Gegen Ende des Filmes verdichten sich die Plots dann aber und kulminieren in einem spektakulärem Schluss.

Trotz der Überladung macht Summer Wars aber viel Spass und lädt dazu ein, sich den Film gleich mehrmals anzuschauen. So kann man die vielen kleinen Details und Plots entdecken, die alle super erzählt sind und mit viel Witz aufwarten. So kann ich zum Beispiel empfehlen, sich etwas auf die Kinder im Film zu konzentrieren, die etwas in ihrer eignen Welt leben und immer irgend etwas am machen sind.

Die Cyberwelt Oz.

Oz nimmt einen grossen Teil des Filmes ein und erinnert an die Bilder von Takashi Murakami. Vom Stil her hat mich dieser Teil weniger überzeugt aber dafür mehr darin, die Komplexität und Implikationen einer solchen virtuellen Welt auf eine einfache visuelle Weise zu vermitteln. Der Film thematisiert dabei Oz nicht als separate imaginäre Welt, sondern zeigt immer wieder wie sich Oz und die Realität gegenseitig beeinflussen. Schönen Szenen sind dabei wie während dem Cyberkampf immer wieder Ablenkungen aus der Realität diesen beeinflussen oder wie die Frauen gegen Ende des Filmes und kurz vor einem nuklearen GAU sich entgeistert darüber wundern, dass es sich bei Oz nicht nur um ein Spiel handelt.

Das Anwesen von Natsukis Familie.

Summer Wars kann ich allen wärmstens empfehlen. Dabei ist es wahrscheinlich am besten, beim ersten Mal nicht zu versuchen, alles mitzubekommen. Vielmehr sollte man sich einfach auf das Chaos einlassen und den Film dann nochmals schauen, um sich auf die Details konzentrieren zu können.

Dabei gibt es genug Beispiele für die immer noch aktive Innovationskraft der japanischen Anime-Industrie. Eines davon ist der Sendeblock NoitaminA (AnimatioN – rückwärts geschrieben) auf Fuji TV, der seit 2005 Animes für ein etwas älteres weibliches Publikum ausstrahlt und für viele Highlights der letzten Jahre verantwortlich ist, so zum Beispiel:

• Honey And Clover (2005/2006)
• Paradise Kiss (2005)
• Jyu Oh Sei (2006)
• Hataraki Man (2006)
• Nodame Cantablie (2007/2008/2010)
• Mononoke (2007)
• Library Wars (2008)
• Eden of the East (2009)
• Trepeze (2009)
• Tatami Galaxy (2010)
• House of Five Leaves (2010)

(NoitaminA spezialisiert sich auch auf Shoujo-Horror-Anime, was nicht so mein Ding ist).

Und da erreicht uns die  freudige Neuigkeit, dass NoitaminA seine Sendezeit verdoppelt! Pro Season können wir uns also nicht nur über eine, sondern gleich über zwei Serien aus diesem erfrischenden Sendeblock freuen. Das Doppelpack ist auch schon diese Season äusserst stark mit Tatami Galaxy und House of Five Leaves gestartet.

Dass da was dran ist hat in Amerika auch FUNimation und in Frankreich Kaze gewittert und gleich den ganzen Sendeblock für einen Simulcast (mit Japan gleichzeitige Online-Ausstrahlung) gebucht. Ich hoffe schwer, dass die Serien auch im Westen ein Publikum finden und die Simulcasts ein Erfolg werden.

Yojō-Han Shinwa Taikei (The Tatami Galaxy) ist ihr Titel und handelt von einem mittelmässigem Uni-Student, die Wahl des Klubs beim Uni-Eintritt und wie diese alles verändert. Oder wie es die Homepage ausdrückt: «Es ist eine Anthologie des Paranormalen, welche die parallelen Welten der Jugend auf der Suche nach Liebe und Glück in einer unsicheren Zukunft offen legt.» Das wunderbare Charakter-Design stammt von Yūsuke Nakamura, der einigen vielleicht von den Plattencovern der Asian Kung-Fu Generation bekannt ist.

Ein zweiter Trailer ist auf der offiziellen Homepage aufgeschaltet worden und verbreitet bei mir richtig Vorfreude:

Update: Der Trailer ist wieder online und einige weitere Details zur Serie.

Dank einer Retrospektive seiner Werke, die im Moment auf einer Tour um die Welt ist und im Filmpodium einen Zwischenstopp einlegte, konnte ich eine ganze Reihe seiner Filme aus allen seinen Schaffensperioden bewundern. Insgesamt habe ich es geschafft, acht seiner Filme zu sehen, und war jedes Mal beeindruckt: Oshimas Filme sind schön gefilmt, musikalisch erstklassig unterlegt, behandeln aber vor allem brisante Themen auf eine unübertroffene differenzierte, scharfe und menschliche Weise.

Geboren 1932 in Kyoto studierte Oshima Rechtswissenschaften, fand nach abgeschlossenem Studium aber keine Stelle, da er sich während dem Studium in linken Studentenbewegungen engagiert hatte. So bekam er eher zufällig eine Stelle als Regieassistent bei Schochiku und konnte 1959, mit 27 Jahren, das erste Mal Regie führen.

Oshimas Handschrift und Genius liegt im seinen scharfen Blick für Menschen und Personen sowie seinem Interesse für grundsätzliche und brisante Themen. Anstatt diese auf einer theoretischen Ebene sachlich abzuhandeln, wie man es sich von westlichen Filmen eher gewöhnt ist, behandelt er seine Themen immer exemplarisch durch Menschen, die seinen Filmen durch ihren Facettenreichtum eine unglaubliche Kraft geben.

Oshima während den Dreharbeiten zu Empire of the Passions.

So reichen die Themen seiner Filme von Rasissmus (The Catch) über Kindesmisshandlung (The Boy), sinnentleerten Zeremonien (The Ceremony), der zerstörerischen Kraft von Leidenschaft (In the Empire of the Senses), wer Recht hat im Krieg (Merry Christmas Mr Lawrence) zu der Unmöglichkeit auch in den starrsten Strukturen Gefühle zu unterdrücken (Tabu).

Oshima macht es sich dabei niemals einfach. In seinen Filmen gibt es keine Unterscheidung zwischen guten und schlechten Menschen. Vielmehr zeigt er seine Figuren als getrieben durch ihre Vergangenheit und Hoffnungen – gefangen in sozialen und gesellschaftlichen Strukturen. Gerade der Kontrast zwischen dieser menschlichen Bodenständigkeit und den spektakulären Themen, die er aufgreift, macht die Faszination seiner Filme aus. Sie sind weder reisserisch noch pathetisch, schauen aber in die Abgründe der Menschheit und vergessen dabei nie, dem Guten sowie dem Bösen, dem Schönen sowie dem Hässlichen seinen Raum zu geben.

David Bowie in Merry Christmas Mr Lawrence.

Wobei seine Filme aber keineswegs einfach zu schauen sind. Nicht nur wegen der Thematik, die sich oft nicht für einen gemütlichen Filmabend eignen, sondern auch weil er den Zuschauer niemals bevormundet und ihm die Antworten nicht vorgeschnitten serviert. Zwar lässt sich Oshima viel Zeit in seinen Filmen für viele kleine Gesten und Momente, doch lässt er oft gerne vieles in der Schwebe oder nur angeschnitten. Seine Filme erzählen mehr als nur genug um selber den Schlussstrich ziehen zu können, doch wird dieser von Oshima meist nur angedeutet und ist offen für viel Interpretation. Oshimas Filme müssen geschaut werden – im eigentlichen Sinn des Wortes – sonst verpasst man schnell die feine Handlung seiner Filme.

Wobei es Oshima kaum darum geht, seine Filme möglichst anspruchsvoll zu machen. Vielmehr stellt Oshima seine Figuren und Gedanken in filmischer Form aus, anstatt mit seinen Filmen eine klare Absicht zu verfolgen. Wo er Dinge auslässt, liegt das mehr daran, dass er sich im Rahmen des Filmes dafür nicht interessierte oder für ihn die Antwort auch nicht gegeben war.

Szene aus The Boy.

Viele Leute scheinen seine Filme aber klar zu überfordern, anders kann ich mir zumindest die konstante Unterbewertung seiner Filme auf IMDB und etlichen Kommentare, die von Langeweile und Unverständnis zeugen, nicht erklären.

1996 erlitt Oshima einen ersten Hirnschlag und musste seinen letzten Film im Rollstuhl und mit der Hilfe seines Sohnes drehen. Seither hat er noch zwei weitere Hirnschläge erlitten, was weitere Filme sehr unwahrscheinlich macht.

Für mich war die Retrospektive im Filmpodium aber eine Offenbarung. Schon etliche Jahre bin ich treuer Besucher ihrer Programme (oft auch von japanischen Regisseuren) und noch keines hat mich so durchwegs überzeugt wie die Filme von Oshima. Schade, ist sie nun schon vorbei, schade, dass ich nicht alle 15 Filme sehen konnte, schade, dass sich das Filmpodium 12 weitere Filme von Oshima wegen den horrenden Preisvorstellungen der Japaner nicht leisten konnte, und schade, dass sein Werk nur begrenzt auf DVD erhältlich ist. Hoffentlich kann die Retrospektive hier etwas ändern.

Einleitung zum Festival

Den Abschluss bildeten zwei mittelmässige 3D-Animationsfilme und ein interessanter Anime.

Die drei Filme sind:

• Chasseurs de dragons
• Appleseed: Ex Machina
• Piano no Mori

Chasseurs de dragons
Regie: Guillaume Ivernel, Arthur Qwak
Produktion: Frankreich, Deutschland, Luxemburg
http://www.dragonhunters-themovie.com/ – IMDB – Trailer

Basierend auf einer französischen Trickfilm-Serie, bietet Chasseurs de Dragons primär visuell einiges zu bieten, während die Geschichte und der Humor etwas zu wünschen übrig lassen.

Appleseed: Ex Machina
Regie: Shinji Aramaki
Produktion: Japan
http://www.warnervideo.com/appleseed/ – IMDB – Trailer

Ich bin absolut kein Fan von Masamue Shirow. Mir ist sein Hang zu überkomplexe Welten ein Gräuel. Wenn mehr als 30% einer Geschichte für langwierige und schlussendlich überflüssige politische und technische Erklärungen aufgewendet werden, verliere ich unmittelbar das Interesse.

Wertschätzen kann ich Shirow nur, wenn die Details von jemand Anderem verdaut und zum Beispiel in der Form eines Anime ausgeschieden werden. So geschehen bei Oshii’s Ghost in the Shell aber auch bei den Appleseed 3D-Animations-Filmen.

Appleseed: Ex Machina ist ein solider Action-Thriller mit der üblichen schmerzhaften Dosis Schmalz und Drama aber auch mit genug Action, um den Schmalz ignorieren zu können. Die 3D-Animation ist ganz in Ordnung und die Action spektakulär inszeniert.

Piano no Mori
Regie: Masayuki Kojima
Produktion: Japan
http://www.piano-movie.jp/ – IMDB – Trailer

Masayuki Kojima (Magical Shopping District Abenobashi, Master Keaton, Monster) inszeniert einen bodenständigen aber in den Details überraschenden Anime für ein jüngeres Publikum.

Amamiya Shu spielt auf Geheiss seiner Mutter schon seit jungen Jahren Klavier und hat sein durchschnittliches Talent mit viel Fleiss und guter Technik kompensiert. Für eine Weile wechselt er zu einer Schule in einer Kleinstadt auf dem Land. Dort trifft er Ichinose Kai, der als einziger ein verrostetes Piano im nahen Wald spielen kann und ein grosses Talent als Pianist offenbart.

Die Geschichte drängt geradezu auf eine Rivalität zwischen Shu und Kai aber es passiert das Gegenteil: Shu ist nicht neidisch auf Kai für sein Talent sondern freut sich vielmehr, einen gleichaltrigen Freund gefunden zu haben, mit dem die Welt des Klaviers teilen kann. Das Klavierspielen wird vielmehr zur Verbindung der beiden über ihre äussert unterschiedlichen Hintergründe hinweg.

Shu’s Reaktion ist nicht das einzige ungewohnte Element der Geschichte: Das Schulleben wird auch als hart und handgreiflich gezeigt, anstatt nur romantisiert zu werden. Die Lehrer bekommen nicht den üblichen absoluten Respekt, wie er oft in Anime exemplarisch vorgelebt wird. Und die Darstellung von Kai’s Mutter als Prostituierte und fürsorgliche Mutter ist für Anime-Verhältnisse schon sehr gewagt.

Im Grunde ist die Geschichte nicht äusserst interessant aber die unkonventionelle Art, wie sie erzählt wird, macht aus Piano no Mori ein unterhaltsamer Film mit liebenswerten Charakteren.